Para abocarnos de lleno al tema del Arte Urbano, es preciso delimitar tiempo, técnica y mensaje, de aquello que nos interesa.

Es posible remontarlo (no sin un poco de esfuerzo) a las pinturas rupestres. No a aquellas de las cavernas, porque pertenecerían, por decirlo de algún modo, a la esfera de lo “privado” al hallarse “dentro” de las cavernas. Sino a las que podemos encontrar en el norte de África, realizadas sobre piedras planas o lajas que se ubican a la intemperie. O también a las encontradas en distintas partes de la América pre hispánica, siempre por fuera de los ambientes arquitectónicos.

 

Pinturas rupestres colinas de Tsodilo - Botswana - 3300 a. C.

Ahora bien, ¿a qué llamamos Arte Urbano o Arte Callejero?

Es la traducción de la expresión inglesa street art, y engloba a todo arte que se expresa en la calle, normalmente de manera ilegal, y describe el trabajo de personas que han desarrollado un modo de expresión artística mediante el uso de diversas técnicas como plantillas, posters, pegatinas, murales y grafiti (entre las más importantes), en una nueva forma de comunicación a través de las imágenes, del texto, el contenido y la opinión social.

Aquí hace falta precisar un poco más y, como hicimos al principio, delimitar, sobre todo para darle mayor atención a aquello que podemos llamar arte, dejando fuera las pintadas románticas de algún adolecente enamorado o despechado, las expresiones fanáticas de algún hincha de fútbol, la propaganda de algún partido político, etc.

Entonces, el arte callejero, al integrar sus elementos en lugares públicos muy transitados, pretende sorprender a los espectadores y suele tener un mensaje subversivo que critica a la sociedad con ironía e invita a la lucha social, la crítica política o, simplemente, a la reflexión. Sin embargo, existe cierto debate sobre los objetivos reales de los artistas que actualmente intervienen el espacio público.

Dentro de las técnicas más usadas en este tipo de manifestación artística encontramos al grafiti. Se llama así a varias formas de inscripción o pintura, generalmente sobre mobiliario urbano. Es un término tomado del italiano, graffiti, plural de graffito, que significa ‘marca o inscripción hecha rascando o rayando un muro’ y así llaman también arqueólogos y epigrafistas a las inscripciones espontáneas que han quedado en las paredes desde tiempos del Imperio Romano.

Entre los romanos era muy común la costumbre de la escritura ocasional sobre muros y columnas, esgrafiada y pintada, y se han encontrado múltiples inscripciones en latín vulgar con consignas políticas, insultos y declaraciones de amor, junto a un amplio repertorio de caricaturas y dibujos en lugares menos afectados por la erosión, como en cuevas, muros enterrados, en las catacumbas de Roma o en las ruinas de Pompeya, donde quedaron protegidos por la ceniza volcánica. También existen todavía grafitis hechos por marineros y piratas que en sus viajes al pisar tierra dejaban sus seudónimos o iniciales marcadas sobre las piedras y grutas, quemando un trozo de corcho.

 

Alexámeno adora a su Dios - s. II - Roma

Otro antecedente del Arte Urbano es la antigua práctica de la acera o de la calle decorada con tiza o pasteles. Aunque esta forma de arte sea nueva para la mayor parte de los países, tiene una larga tradición en Europa y como se piensa, tiene su origen en Italia durante el siglo XVI. Los “madonnari” eran artistas vagabundos que pasaban su vida viajando, recorriendo festivales, y eran los “juglares” de las artes visuales.

A menudo vivían únicamente de las monedas recibidas por sus dibujos que eran un homenaje a la Virgen.

En Italia, llaman “madonnari” a pintores callejeros que reproducen imágenes de la Virgen (Santa María). Esto está ligado a la rica historia religiosa del arte italiano y está unido a los iconos, así como pinturas votivas y ex-voto (un ofrecimiento dado antes o en agradecimiento por un rezo contestado o un milagro).

Durante siglos, los “madonnari” eran artistas que reproducían imágenes simples con materiales mínimos. Paralelamente a lo sucedido en Italia, comenzaron a aparecer en Londres, Inglaterra, a mediados del siglo XIX. Llamaron a estos artistas "screevers", un término que se refiere al mensaje escrito que generalmente acompañaba sus trabajos. Un temprano libro de consulta coloca el origen de la palabra "screeve" en Escocia u Holanda, pero es muy probable que la palabra derive del italiano "scrivere", lo cual une aún más las dos tradiciones.

Durante la Segunda Guerra Mundial estos artistas sufrieron muchas dificultades y redujeron notablemente su número. A pesar de esto, un pequeño grupo siguió trabajando en los años ‘80. Gracias al Festival Internacional “la Pintura Callejera” en Grazie di Curtatone al norte de Italia, recibieron el reconocimiento por sus esfuerzos. De esta manera, atestiguaron la revitalización y la transformación de su arte como un fenómeno mundial.

Aunque haya poca documentación por parte de los italianos en cuanto a sus “madonnari”, los Victorianos estuvieron interesados y documentaron a sus pintores callejeros. En los años 1930 tanto Jorge Orwell como Pamela Lyndon Travers escribieron sobre pintores de la calle. El carácter de Travers de Bert, el “screever”, se popularizó en la película de Disney “Mary Poppins”. A principios de los ‘70, la pintura callejera comenzó a tener un pequeño resurgimiento en Italia. El festival en Grazie enfocó su atención en esta forma de arte, y estudiantes europeos comenzaron a unirse a estos artistas que sobreviven creando imágenes efímeras de tiza por unas pocas monedas. Algunos de estos artistas viajaron a los Estados Unidos, pero el único en trascender fue Robert Guillemin, conocido como "Sidewalk Sam".

A principios de los años 1980, el artista Kurt Wenner fue el primer estadounidense en unirse a las filas de los “madonnari”. Él comenzó a pintar en Roma, Italia en 1982 y trabajó ocasionalmente con Manfred Stader. En el mismo año, Wenner volvió a los Estados Unidos introduciendo este tipo de arte en el Museo de Arte de Santa Bárbara. Fue, también, el primer artista estadounidense en ganar, durante tres años consecutivos, el premio superior en la competición del festival de Grazie di Curtatone y recibir título de Maestro de Pintura Callejera.

Hacia 1985 el arte de Wenner había capturado la atención de muchos, incluyendo la National Geographic Society que filmó el documental las “Obras Maestras de Tiza” en ese mismo año. En 1986 Wenner comenzó el primer festival de Pintura Callejera en EEUU y lo llamó “Yo, Madonnari”. El festival se realizó en la Old Mission Santa Barbara, California. En la siguiente década, Wenner enseñó el arte de la pintura callejera, y continuó con otros festivales.

Desde primer festival estadounidense en 1986, la pintura callejera ha crecido exponencialmente. Además de los festivales estadounidenses hay un número creciente de festivales por todo el mundo, en particular en Europa, México y Australia.

En 1982, Kurt Wenner combinó la técnica tradicional de pintura callejera con su educación clásica y comprensión del ilusionismo para inventar una forma de arte propio. Esta se conoce como anamorfosis, ilusionista, o pintura callejera en 3D.

La geometría de Wenner está inspirada por los grandes techos barrocos de Roma del siglo XVII, aunque él mismo tuvo que calcular como tal idea podría ser aplicada a una superficie cerca del espectador que fuera vista en un ángulo oblicuo. El empleo de esta técnica se extendido por los medios de comunicación y popularizó esta forma de arte inspirando muchos artistas. Brian Davis y Elise McConnell se encuentran entre los primeros.

Ambos artistas, sumamente talentosos, inspiraron el entusiasmo a muchos más, entre ellos encontramos a Rod Tryon y Tracy Lee Stum, Genna Panzarella y Melanie Stimmel.

Hoy en día la pintura callejera puede ser vista en la publicidad, películas, anuncios de impresión, y sobre la calle.

 

Kurt Wenner - "Desastre" - Pasteles de Tiza - EEUU

Desde mediados del los años 90 el término street art o, de forma más específica, Post-Graffiti se utiliza para describir un nuevo tipo de expresión artística callejera. El postgrafiti nace del encuentro del arte académico con el grafiti y otras formas de cultura popular. El artista del postgrafiti propaga muestras gráficas de su identidad por los espacios públicos pero, a diferencia del escritor de grafiti utiliza motivos que el público puede entender. Tienen, en su mayoría, formación académica y su actitud a la hora de ocupar superficies públicas es mucho más respetuosa que la de los escritores de grafiti.

El uso de plantillas (stencil), a menudo con un mensaje político, cobra especial relevancia en París en la segunda mitad de los años 60. Sin embargo, no es hasta mediados de los años 90, con la aparición de artistas como el norteamericano Shepard Fairey y su campaña "Obey" (Obey Giant: Obedece al gigante), ideada a partir de la imagen del personaje de circo Andre The Giant y llevada a cabo mediante el uso de posters y plantillas, cuando las diversas propuestas de este tipo cobran auge en distintas partes del mundo y son percibidas en su conjunto como parte de un mismo fenómeno o escena.

El mensaje original de esta campaña fue nulo, se erigió haciendo referencia a sí mismo, sin otro significado de por medio. Sin embargo, desde mediados de los noventa ha sido una de las imágenes de cultura urbana más veces retomada por otros artistas. Se ha parafraseado a manera de homenaje y otras como ironía, pero ha servido como base importante para el desarrollo del arte callejero en todas las capitales del mundo.

 

Shepard Fairey - Obey - Stencil - EEUU

Exponentes del arte callejero

El estarcido (stencil) y la pintura en espray, es la forma en donde se puede encontrar mayor diversidad de estilos y búsquedas estéticas por los artistas del movimiento. Aunque también en pegatinas y pósteres, es donde podemos ver la evolución de este arte de la calle. Con diferentes ciudades como núcleos del arte callejero, algunos de sus exponentes más reconocidos son Banksy, John Fekner, Shepard Fairey, Blek le Rat, Bloo and Titi.

Con estos artistas se ven manifestadas en sus obras no sólo las variantes técnicas y estéticas, sino también distintos trasfondos ideológicos. Con Banksy, por ejemplo, se ven manifestadas irónicas figuras que se burlan de la política o de la moral. Por otro lado, el americano Shepard Fairey, ha saltado a la fama por una campaña esparcida por toda la ciudad, sin bases u objetivos reales, más que la reproducción de una figura por el medio en sí mismo.

Así mismo, podemos encontrar verdaderas obras de arte diseminadas por la ciudad, realizadas por artistas como Keith Haring y Swoon, las pinturas geométricas de Eltono o los colibrís de Dan Witz.

 

Eltono - Rojo Out - Brasil

Glosario: Gentileza de Revista Watt

Street Art - Se desarrolla en los espacios públicos. Puede incluir grafiti, stencil, intervenciones urbanas, instalaciones y stickers.

Grafiti - si bien el término pertenece al siglo XIX, su práctica se remonta hasta la prehistoria con las pinturas rupestres en las cuevas de Altamira. Es una práctica que se relaciona con la necesidad el hombre de dejar huellas. Durante el siglo XX, dos acontecimientos marcaron este arte: el mayo francés del ´68 y el grafiti neoyorquino de los ´70.

Grafiti hip hop - nacieron como dibujos adolescentes en barrios marginales como Harlem y el Bronx (NY). Aparecían en las paredes y en los vagones de los trenes y subtes. Los primeros eran, únicamente, el nombre o apodo del autor. Existen diversas letras, desde las Bubble Letters hasta las 3D. En Argentina, comenzó a popularizarse en los noventa. Hoy se los puede ver en vagones de trenes y subtes.

Stencil- Se utiliza una plantilla con diferentes dibujos y/o letras y se las rocía con aerosol sobre una pared para que quede grabado el dibujo o mensaje. Es rápido y fácil. Al igual que el grafiti, es una práctica milenaria. En el Antiguo Egipto o en China se utilizaban plantillas de cuero o papel con las que se realizaban figuras para decorar paredes.

Stencil Argentino - Creció a partir de la crisis del 2001, con mensajes irónicos a políticos o estereotipos sociales. Desde la parodia "Hello Kirchner", con un Kitty de mirada estrábica, pasando por Bush, El Eternauta y Mirtha Legrand, entre los favoritos.

Banksy - "Boxhead" - Stencil - Inglaterra

 

Keith Haring - Performance - EEUU

“Los verdaderos creadores saben que la única manera posible

de expresar su ineludible mensajees a través de lo extraordinario

(el paroxismo, la magiao el éxtasis total)”

Michel Tapié, 1952

“Paisatge vermell”

Antonio Tàpies

España

Técnica mixta

 

El art informel ("arte informal") fue el nombre que se utilizó en Europa para referirse a la pintura abstracta gestual que dominó el mundo internacional del arte desde mediados de los años 40 hasta finales de los 50.

El término fue forjado por el escritor, escultor y músico de jazz francés Michel Tapié en 1951, aunque tuvo que competir con otros términos, incluidos arte abstracto lírico, matter painting y tachismo.

Esta proliferación de nombres, que tienden a cruzarse y a confundir más que a clarificar, se debe a la intensa competencia entre los críticos franceses de la posguerra para situar y definir las nuevas corrientes de vanguardia.

Influenciados por el existencialismo de la época, los artistas del art informel fueron aplaudidos por su individualismo, autenticidad y espontaneidad, y por su compromiso emocional y físico con el proceso de crear imágenes de representaran la "vida interior del artista". 

 

En lo que todos los teóricos del nuevo arte coincidieron fue en que la obra de estos artistas señaló una ruptura radical con las formas de arte dominantes en el período inmediatamente posterior a la guerra, resumidas por el crítico Geneviève Bonnefoi como "los dos errores del realismo socialista y del arte abstracto geométrico". Tanto el vocabulario del realismo como el intelectualismo de la abstracción geométrica se consideraron inadecuados para la tarea de representar la realidad de la posguerra con toda la pobreza, el sufrimiento y la rabia de la época, experiencia que, según argumentaban, no podían representarse sino sólo expresarse.

 

La característica fundamental de las producciones informalistas radica en la valoración de las superficies y las cualidades de la materia

OTRAS CARACTERÍSTICAS:

• Predominio de la espontaneidad y el gesto
• Automatismo puro marcado por el ritmo creativo
• Empleo de la materia como medio para transmitir experiencias únicas.
• Carencia o inexistencia de ideas preconcebidas, la obra de arte es entendida como un momento único de creación.
• La obra acabada antecede a la idea, el resultado final es la idea.
• Espontaneidad creativa.
• Ruptura con los antecedentes pictóricos, en virtud de lograr una expresión novedosa, auténtica e irrepetible.
• Marcada obsesión por desaparecer la forma y su concepto en el arte. 
  
  
  
  El art informel tuvo muchos representantes en Europa que, a su vez, crearon nuevas corrientes o tendencias.
  
  
   
  El arte abstracto lírico, término creado por Georges Mathieu, centra la atención en la acción física de pintar en lo que respecta su propia obra y a la de artistas como el francés Camille Bryen, Simon Hantaï, de origen húngaro, el checo Iaroslav Sossuntov, conocido como Serpan, y los alemanes Hans Hartung y Alfred Otto Wolfgang Schulze, conocido como Wols.
  
  
  
   “Capetians Everywhere”
  Georges Mathieu
  Francia
  Óleo sobre tela
  
  
  El término matter painting ("pintar la materia") expresa el poder evocador de los materiales, con frecuencia inusuales, utilizados por los artistas franceses Jean Dubuffet (Art Brut), Jean Fautrier (Arte Existencialista), los holandeses Jaap Wagemaker y Bram Bogart, el italiano Alberto Burri (Arte Povera) y el catalán Antoni Tàpies.
  
   “Dhôtel in Shades of Apricot”
  Jean Dubuffet
  Francia
  Óleo sobre tela
  
  
  El término tachismo (del francés tâche, "borrón", "mancha") se centra en el gesto expresivo de la marca del artista en pintores como el británico Patrick Heron, el francés Pierre Soulages y el belga Henri Michaux.
  
   “Sin título”
  Henri Michaux
  Francia
  Tinta sobre papel
   
  En Estados Unidos nace en 1947 el llamado Expresionismo Abstracto. Corriente que toma del Surrealismo el Automatismo.
  Unos autores ahondan más en la fuerza del gesto pictórico, en la expresividad emocional, tratando de crear una dinámica continua que atrape al espectador en la vorágine que se le presenta. Se lo conoce como pintura de acción (action painting)
  
   Uno, Numero 31”
  Jackson Pollock
  Estados Unidos
  1950
  Óleo sobre tela
  Otros artistas emplean un discurso más cerebral, sus cuadros aparecen más ordenados, emplean campos de color que quizás invitan a quien los contempla a efectuar una profunda reflexión.
  A esta corriente se la conoce como pintura de superficie-color (color field-painting).
  
   “Anaranjado y amarillo”
  Mark Rothko
  Estados Unidos
  1956
  Técnica mixta
   
  A lo largo de los años 50 se realizaron otras exposiciones de art informel en Europa, el Lejano Oriente y Norteamérica, y la gran popularidad del arte abstracto gestual hizo que el expresionismo abstracto y el art informel se transformasen en el estilo pictórico internacional de la posguerra.
  Sin embargo, a finales de la década hizo su aparición una nueva generación de artistas que empezaron a cuestionar su importancia y su dominio del arte: el Pop Art y del Arte Conceptual.
  
  

  LISTA DE OBRAS
  “Paisatge vermell” Antonio Tàpies España Técnica mixta	“Sin Título” Hans Hartung Alemania Óleo sobre tela	“Composición” Wols Alemania Técnica mixta
  “Capetians Everywhere” Georges Mathieu Francia Óleo sobre tela	“Le seuil monotone” Georges Mathieu Francia Óleo sobre tela	“La batalla de Lepanto, 7 octubre 1571” Georges Mathieu Francia Óleo sobre tela
  “Sin Título” Georges Mathieu Francia Óleo sobre tela	“Geometría de edificios” Georges Mathieu Francia Óleo sobre tela	“Composición” Wols Alemania Técnica mixta
  “Mariposa” Wols Alemania Técnica mixta	“Oui, oui, oui” Wols Alemania Técnica mixta	“The windmill” Wols Alemania Óleo sobre tela
  “Parade Portrait” Jean Dubuffet Francia Óleo sobre tela	“Dhôtel in Shades of Apricot” Jean Dubuffet Francia Óleo sobre tela	“Diálogo de los pájaros” Jean Dubuffet Francia Óleo sobre tela
  “Cabeza” Jean Fautrier Francia Técnica mixta	“Tête d'Otage” Jean Fautrier Francia Técnica mixta	“Combustione sacco” Alberto Burri Italia Técnica mixta
  “Sacco” Alberto Burri Italia Técnica mixta	“Sacco” Alberto Burri Italia Técnica mixta	“Sacco 5” Alberto Burri Italia Técnica mixta
  “Cretto Grande Azzurro” Alberto Burri Italia Técnica mixta	“Cretto Grande Bianco” Alberto Burri Italia Técnica mixta	“Sacco, Nero e Rosso” Alberto Burri Italia Técnica mixta
  “Matèria i frontissa” Antonio Tàpies España Técnica mixta	“Collage del papel moneda” Antonio Tàpies España Técnica mixta	“Composición” Antonio Tàpies España Técnica mixta
  “Esgrafiats sobre negre” Antonio Tàpies España Técnica mixta	“Sin título” Henri Michaux Francia Tinta sobre papel	Uno, Numero 31” Jackson Pollock Estados Unidos 1950 Óleo sobre tela
  “Un árbol en Nápoles” Willem de Kooning Estados Unidos 1960 Óleo sobre tela	“C y O” Franz Kline Estados Unidos 1958 Óleo sobre tela	“Sin título” Mark Rothko Estados Unidos 1949 Técnica mixta
  “Anaranjado y amarillo” Mark Rothko Estados Unidos 1956 Técnica mixta	“Nº 1” Clyfford Still Estados Unidos 1949 Técnica mixta	“Sin título” Clyfford Still Estados Unidos 1964 Técnica Mixta
  “Sin título” Barnett Newman Estados Unidos 1946 Tinta sobre papel	“Fin del silencio” Barnett Newman Estados Unidos 1949 Óleo sobre tela